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Voici ce que signifient réellement les célèbres peintures de grands artistes

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Le monde déconcertant de l’art moderne peut paraître déroutant, puisque les idées principales des artistes ne sont pas évidentes dans chaque chef-d’œuvre. Cependant, tu voudras probablement connaître la signification des toiles les plus célèbres de tous les temps, car les collectionneurs d’art paient des millions de dollars pour devenir les heureux propriétaires de ces tableaux modernes, et les musées où ces oeuvres sont exposées attirent chaque année un nombre considérable de touristes provenant du monde entier.

Chez Sympa, nous avons tenté de déchiffrer la signification cachée des peintures des artistes les plus connus au monde, et nous avons découvert que leur sens n’est pas si évident qu’il n’y paraît à première vue.

Acetic Anhydride, Damien Hirst, 2017

Le Britannique Damien Hirst est l’artiste le plus riche au monde. Depuis 25 ans, il travaille avec des cercles de couleur, et c’est sa marque de fabrique. Il les utilise pour parler de la mort.

Mais le fait est que ce ne sont pas de simples cercles, comme on pourrait le croire à première vue, mais des pastilles homéopathiques. L’artiste est obsédé par l’idée de lutter pour la santé de la société moderne. Même les noms de ses travaux créés avec la technique de spot painting ont été inspirés du catalogue de l’entreprise chimique Sigma-Aldrich.

Les noms sont trouvés en fonction des différents types de médicaments. Le groupe le plus important est celui des produits pharmaceutiques, et les couleurs des cercles correspondent aux lettres dans les formules des substances psychoactives.

Les Deux Fridas, Frida Kahlo, 1939

Le tableau Les Deux Fridas est une sorte de tableau autobiographique de la plus connue des artistes mexicaines, Frida Kahlo. Il convient alors de rappeler que nombre de ses oeuvres sont des auto-portraits.

Selon l’interprétation la plus courante, l’image reflète un événement qu’aurait vécu l’artiste. Il s’agirait de la séparation de Frida et de son époux, le peintre Diego Rivera. Son oeuvre a été réalisée en 1939, peu après le divorce. Deux Fridas occupent le tableau, mais ce sont deux images opposées. À droite, se trouve celle qui aimait Diego, et à gauche, celle qu’il a trahi. L’artiste n’a pas oublié son amour pour son mari et l’étroite relation qu’elle avait avec lui, même après la séparation, malgré la grande solitude qu’elle a ressentie et bien qu’elle ait eu le coeur brisé.

La Promenade, Marc Chagall, 1917–1918

Cette peinture est l’une des œuvres les plus reconnues de Marc Chagall. Les travaux de cet auteur sont aussi autobiographiques ; au centre de ce tableau, on ne trouve pas seulement un homme et une femme, mais l’artiste lui-même et son épouse, Bella. Il est sur la terre alors qu’elle vole dans les airs, mais ils sont néanmoins ensemble. Malgré la distance, les amoureux se prennent la main, en défiant la loi de la gravité.

De plus, l’artiste tient un oiseau de l’autre main, une petite mésange. Il semble qu’ainsi, il a décidé de défier le proverbe russe : " Mieux vaut une mésange dans la main qu’une grue dans le ciel " (il faut comprendre " Mieux vaut un oiseau dans la main que cent en vol "), nous indiquant que l’on n’a pas toujours à choisir entre une chose et une autre.

Homme et femme devant un tas d’excréments, Joan Miró, 1935

Cette peinture de l’artiste catalan Joan Miró est l’une des douze oeuvres réalisées durant la période d’instabilité sociale en Espagne. De prime abord, les mouvements sinistres des monstres en forme de poulets sont complètement incompréhensibles. La seule chose qui attire immédiatement l’attention sont les couleurs brillantes qui contrastent avec le fond noir apocalyptique : on sent que le tableau exprime quelque chose d’extrêmement préoccupant.

En fait, l’artiste a transmis de cette manière l’horreur de la guerre civile espagnole, qui a duré de 1936 à 1939. La montagne d’excréments de couleur dorée représente les ambitions fascistes, la zone orange sombre symbolise les victimes de la guerre, et les mains rouges représentent le sang.

D’où venons-nous ? Que sommes-nous ? Où allons-nous ? Paul Gauguin, 1897–1898

Depuis le début de sa carrière, l’artiste Paul Gauguin a souhaité recréer sur un tableau le raisonnement de la vie et de la mort. En 1897, il a commencé à travailler la peinture D’où venons-nous ? Que sommes-nous ? Où allons-nous ?, et à la fin de décembre de la même année, il avait terminé son oeuvre.

Sa particularité réside dans le fait qu’elle doit se lire de droite à gauche, comme les anciens parchemins sacrés. La peinture représente trois groupes de personnes. Les jeunes avec un enfant endormi représentent le début de la vie. Un autre groupe symbolise l’âme dans l’étape la plus élevée de son développement, et la vieille dame symbolise le groupe final, qui semble être tout près de la mort. C’est le symbole de la fatalité.

Campbell’s Soup Cans, Andy Warhol, 1962

Andy Warhol était un artiste américain très symbolique de l’histoire de l’art pop. Ses oeuvres sont très minimalistes : il représentait des objets dans leur forme la plus simple et la plus reconnaissable. Un exemple d’oeuvre très populaire de Warhol est la Campbell’s Soup Cans.

En 1949, Warhol a obtenu sa licence universitaire et a cherché de nouvelles sources d’inspiration pour créer quelque chose qui n’existait pas. L’artiste a fait beaucoup d’expériences avant de recevoir un conseil gratuit de la propriétaire d’une galerie d’art, Muriel Latow : " Dessine ce que tu vois tous les jours, quelque chose que l’on pourra reconnaître, comme une boîte de soupe en conserve Campbell ". Et c’est ainsi qu’a commencé l’histoire de la fameuse peinture de Warhol.

Birkenau, Gerhard Richter, 2014

La série abstraite Birkenau est l’œuvre de l’artiste contemporain Gerhard Richter, qui cherchait à honorer la mémoire des prisonniers des camps de concentration. Il est resté impressionné par les photographies capturées en 1944 par un membre d’un Sonderkommando, sur lesquelles on voit des cadavres en cours de préparation pour la crémation.

Richter a projeté les photos sur sa toile et a ensuite appliqué de la peinture, couche par couche, pour recréer la forme exacte d’une montagne de cadavres et de fragments de la nature, pour faire ressentir l’ambiance du camp d’extermination de Birkenau.

Orange, Red, Yellow, Mark Rothko, 1961

Orange, Red, Yellow est une œuvre de l’artiste américain Mark Rothko, peinte en 1961. En 2012, lors d’une vente aux enchères, le tableau a été vendu pour 86 millions de dollars.

En général, dans les abstractions de Rothko, il ne faut pas chercher une image ou une signification cachée. Ses œuvres sont souvent perçues de manière différente : il est important de se concentrer sur les sentiments et les émotions que le spectateur ressent en regardant les couleurs de l’œuvre. L’objectif de l’artiste est de permettre aux gens d’expérimenter toutes les émotions incarnées dans les profondeurs des tonalités.

Les Trois Âges de la femme, Gustav Klimt, 1905

Cette peinture de l’autrichien Gustav Klimt est l’une des œuvres les plus connues de l’artiste. Elle a remporté la médaille d’or lors d’une exposition internationale en 1911, qui a été célébrée à Rome.

La peinture est un excellent exemple des œuvres symboliques de Klimt. D’un côté, elle représente une petite fille dans les bras d’une jeune femme, et de l’autre, une vieille femme qui se recouvre le visage avec désespoir. Et quand nous regardons cette image, nous sommes convaincus qu’il ne s’agit pas de trois générations d’une famille, mais bien d’une même femme aux différentes étapes de sa vie, ce qui fait de ce personnage un symbole du cycle de la vie, représentant le temps qui passe, inévitablement.

Terrasse du café le soir, Vincent van Gogh, 1888

À première vue, il n’y a rien d’inhabituel sur ce tableau. Mais le chercheur Jared Baxter, qui a étudié en profondeur l’œuvre de l’artiste, a exprimé son opinion selon laquelle la trame de " la Cène " aurait été une inspiration pour cette toile.

Si tu regardes de plus près la peinture, tu remarqueras qu’au centre, il y a un serveur avec une tunique blanche qui ressemble au Christ, et autour de lui, il y a environ 12 clients ; le même nombre que les apôtres. De plus, dans le dos de l’homme, il y a une fenêtre dont les lignes forment une croix.

Qu’est-ce qui t’est venu à l’esprit quand tu as vu ces tableaux pour la première fois ? Partage tes pensées avec nous dans la section des commentaires !

Photo de couverture wikipedia, wikipedia
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