Nous allons t’expliquer la fin de 15 films que tu as probablement mal compris

La fin des films reste souvent un mystère pour les spectateurs et suscite de vifs débats. Il se peut que l’on ne comprenne pas toujours ce que le réalisateur a voulu dire, ou que l’on interprète mal le message qu’il a voulu faire passer s’il a utilisé des métaphores et des allégories. Pourtant, notre compréhension des scènes finales affecte directement l’impression qui reste ancrée en nous après le visionnage du film.

Sympa a décidé de t’expliquer les fins étranges de certains films. Cela t’aidera peut-être à percevoir l’intrigue sous un angle complètement différent.

Premier contact, 2016

Au fur et à mesure que l’intrigue se développe, le film de Denis Villeneuve donne beaucoup d’indices au spectateur, mais l’idée principale est révélée à la toute fin. Ce drame de science-fiction est entièrement composé de cercles vicieux. Le spectateur peut penser que le film commence avec le personnage principal du passé, la linguiste Louise Banks, mais à la fin, il devient clair que tout ce que l’on a vu représentait en fait son avenir. Après que le personnage d’Amy Adams a appris à comprendre le langage écrit en cercle des heptapodes, elle a appris à courber le temps.

Les flashbacks de la linguiste sur sa fille décédée et la rupture que nous avons vue au début du film n’ont pas encore eu lieu dans la vie de l’héroïne. Louise a vu son avenir et, sachant qu’elle devait perdre son enfant et son amant, elle a décidé de ne rien changer. C’est exactement le sens du film : le temps n’est pas seulement une ligne droite. Si tu le regarde du point de vue des heptapodes, il est complètement différent, et chaque personne choisit son propre destin.

Mother!, 2017

“Ils adorent ça. Ils ont tout compris, mais chacun a tout compris à sa manière ”, dit le personnage de Javier Bardem à propos de la réaction des lecteurs sur son nouveau livre. Il en va de même pour les spectateurs du film. Après la sortie du thriller psychologique de Darren Aronofsky, internet a été inondé d’hypothèses sur le sens du film et de différentes interprétations de la fin. Presque toutes les œuvres du réalisteur sont pleines de symboles, et “Mother!” ne fait exception. L’intrigue est basée sur l’attitude brutale de l’Homme envers la nature, et le film est une sorte de parabole biblique.

Dans une interview donnée à Variety, Aronofsky explique que, dans le film, Javier Bardem joue le rôle de Dieu, que l’héroïne interprétée par Jennifer Lawrence est en fait l’incarnation de Dame Nature, et que leur maison représente la Terre. La nature est tourmentée, elle est utilisée. L’apocalypse à la fin du film, à savoir l’incendie de la maison, est le résultat de la violence de l’Homme à l’encontre de la Terre.

Us, 2019

Les protagonistes du film, la famille Wilson, sont attaqués par leurs sosies fous. Rapidement, le spectateur apprend que les attaquants font partie d’une armée de clones qui vivent sous terre et sont appelés les doppelgänger. Dans la dernière partie du film, le personnage de Lupita Nyong’o suit sa terrible copie jusqu’au labyrinthe des miroirs qui mène au donjon, dont on nous a montré des fragments tout au long du film. Après que les personnages se sont battus, nous voyons le flash-back de l’enfance d’Adelaide et réalisons que c’est elle qui est en fait un clone. Enfant, elle a réussi à remonter à la surface en capturant son original.

Un tel retournement de situation explique le changement de comportement du personnage principal et ses craintes. On comprend alors pourquoi Adelaide, ayant grandi, avait peur d’aller à la plage : elle savait que l’entrée du donjon était toujours là, et elle ne voulait pas y retourner. On comprend aussi pourquoi la vraie Adelaide est devenue la chef des doppelgänger : elle était la seule membre de l’armée des clones à pouvoir parler.

Birdman, 2014

La fin du film d’Alejandro Iñarritu racontant l’histoire d’un acteur devenu fou est assez confuse. Dans la scène finale, la fille de Riggan entre dans une chambre vide et voit une fenêtre ouverte, des voix et des sirènes se font entendre dans la rue. L’héroïne d’Emma Stone baisse les yeux, puis lève lentement la tête vers le ciel et sourit. Certains téléspectateurs auraient pu penser que la fin était heureuse et suggérait que Riggan pouvait encore voler. Mais, très probablement, le protagoniste s’est quand même suicidé, car il ne pouvait pas le faire avant, et sa fille a commencé à avoir des hallucinations.

Sam perd le contact avec le monde réel et plonge dans un monde de fantaisie où son père est toujours en vie. La relation entre Riggan et sa fille est la clé pour comprendre la fin du film.

Vanilla Sky, 2001

À chaque minute, le thriller psychologique de Cameron Crowe devient de plus en plus déroutant, et à la fin, il laisse le spectateur perplexe. Le réalisateur lui-même a donné un indice : les réponses aux questions doivent être recherchées dans les vingt dernières minutes du film. Le personnage de Tom Cruise est tourmenté par des cauchemars dans lesquels il voit soit Julianne, morte dans un accident de voiture, soit son propre visage défiguré. Le psychologue essaie quant à lui de comprendre si ce que le suspect dit est vrai ou si c’est le fruit de son imagination.

David se souvient d’avoir contacté Life Extension, une entreprise qui sauve la vie de patients sans espoir en les congelant. Les employés du cabinet insufflent également aux clients des rêves conscients. David comprend qu’il n’est pas satisfait du monde des rêves. La fin du film est le choix du personnage principal : se réveiller et vivre le reste de sa vie dans le monde réel ou continuer à exister dans le monde des rêves et des fantasmes. Presque sans hésitation, David choisit le premier.

A Cure for Life, 2017

À la fin du thriller fantastique de Gore Verbinski, Lockhart apprend que le chef du centre de santé sinistre est le baron suisse et savant fou qui est né 200 ans avant les événements du film et faisait des expériences sanglantes. Volmer a pu développer un élixir d’immortalité en utilisant un liquide spécial produit par les anguilles.

Lockhart arrive à vaincre le fou. Avec Hannah, la fille de Volmer, le protagoniste quitte le sanatorium : il est enfin libre, mais son sourire étrange montre clairement que sa santé mentale est irrémédiablement atteinte. Lockhart semble comprendre qu’il est presque impossible de résister et de nager à contre-courant du système dans le monde moderne.

Black Swan, 2010

Dans l’épilogue du film, Nina (Natalie Portman) tombe dans le premier acte de ballet et, en larmes, elle court se changer pour la deuxième partie. Dans sa loge, elle rencontre Lily (Mila Kunis), qui s’apprête à remplacer le personnage principal sur scène. Une bagarre s’engage entre les danseuses, au cours de laquelle Nina tue sa rivale en la poignardant à l’estomac avec un morceau de verre. La protagoniste cache son corps dans la salle de bain et joue parfaitement le deuxième acte.

Après cela, Lily, en parfaite santé, entre dans la loge de Nina, et exprime son admiration pour cette dernière. Le personnage de Natalie Portman comprend que tout ce temps, elle se battait en fait avec elle-même et que c’est elle qui a une blessure à l’estomac. À la fin du troisième acte, Nina tombe dans les bras du réalisateur avec le ventre ensanglanté. Par la réaction de la troupe et des employés du théâtre, nous comprenons que la ballerine s’est blessée dans sa tentative d’atteindre la perfection.

Bird Box, 2018

Quand la protagoniste arrive enfin au Sanctuaire avec ses deux enfants, le lieu s’avère être une école pour aveugles, et l’on peut voir dans cette situation un symbole profond. C’est une foi aveugle qui a nourri Mallory, et qui l’a aidée à naviguer sur la rivière avec les yeux bandés. Le film encourage le spectateur à réfléchir sur ce qu’est la faiblesse et ce qu’est le pouvoir. Cette même cécité est considérée dans la société comme étant une entrave, mais selon le film, elle s’est plutôt avérée être la protection contre des monstres sanguinaires.

Mallory n’a pu sauver ses enfants qu’après avoir ouvert son cœur à l’amour. Quand, dans la scène finale, l’héroïne principale donne des prénoms à son fils et à sa fille et libère les oiseaux, elle détruit les murs qu’elle a construits autour d’elle. L’épilogue est une métaphore de l’espoir et de la croyance selon laquelle tout ira bien, et la cage à oiseaux (bird box) est le symbole de la cage dans laquelle Malory gardait ses sentiments enfouis.

Nocturnal Animals, 2016

Un jour, Susan, propriétaire d’une galerie d’art, reçoit par la poste un manuscrit de son ex-mari Edward, écrivain au talent duquel elle n’a jamais cru. Dans le roman “Nocturnal Animals”, il décrit son propre monde intérieur. Edward compare sa douleur causée par la perte de Susan à celle du protagoniste du livre, Tony Hastings, dont la femme et la fille ont été brutalement tuées par des bandits. L’histoire fascine le personnage d’Amy Adams dès les premières pages : elle se rend compte qu’Edward est un écrivain vraiment talentueux. Susan propose alors à son ex-mari de la revoir, et ce dernier accepte immédiatement.

Comme lieu de rencontre, elle choisit un restaurant luxueux, qui correspond à son statut actuel. Cependant, Edward n’arrive pas. Peu à peu, Susan se rend compte qu’il n’a jamais eu l’intention de se rendre à leur rendez-vous. Un roman brillamment écrit et des retrouvailles avortées sont la revanche d’Edward sur son ex-femme. Il a prouvé à Susan que son monde intérieur était beaucoup plus riche que le monde réel dans lequel elle vit. La vengeance est le thème central des deux histoires. Tony se venge des meurtriers de sa famille et Edward se venge de Susan.

Donnie Darko, 2001

Bien que le film soit sorti il y a 18 ans déjà, les débats sur sa signification se poursuivent aujourd’hui encore. Selon le réalisateur Richard Kelly, le personnage principal est un guide vivant dont la mission est de sauver le monde. Donnie doit rendre l’artefact, qui est un moteur à réaction tombé du ciel dans le Middlesex. Dans le cas contraire, un trou noir se formera et ce sera la fin du monde. À la fin du film, le personnage de Jake Gyllenhaal permet au moteur de l’avion dans lequel sa mère et sa sœur volent, de tomber sur sa maison, sachant qu’il va mourir lui-même.

Donnie se sacrifie délibérément. Son rire hystérique dans l’une des dernières scènes du film le montre. Se libérer du fardeau de la responsabilité du sort du monde lui donne de l’insouciance et de la tranquillité. “Donnie Darko” est un film complexe qui n’est pas facile à comprendre si on ne l’a vu qu’une seule fois, mais chaque nouveau visionnage donnera au spectateur des réponses à ses questions.

The Dark Knight Rises, 2012

Dans la dernière partie du film, Bruce Wayne, sauvant son Gotham natal d’une explosion nucléaire, charge une bombe dans son avion et le précipite dans l’océan, où il explose. La ville est sauvée, les habitants reconnaissants pleurent leur héros et érigent un monument en l’honneur de Batman. Alfred le majordome part pour Venise, où il rencontre Bruce, bien vivant, assis à une table dans un restaurant avec Selina (Catwoman).

Beaucoup de spectateurs ont pensé que cette scène était un rêve du majordome. Mais, comme nous nous en souvenons, dans le laboratoire de Batman, il a été annoncé que son avion était équipé d’un pilote automatique. Très probablement, Bruce a allumé le pilote automatique, l’a programmé pour éloigner la bombe le plus possible de la ville et a mis en scène sa propre mort. De plus, le collier appartenant à la mère de Wayne, que Selina a essayé de voler au début du film, se trouve autour de son cou dans la scène de Venise. Alfred n’était pas au courant, donc la scène n’est pas un fantasme ni un rêve de majordome.

Shutter Island, 2010

Dans l’une des scènes clés du film, le maréchal Teddy Daniels apparaît sur le phare où il croyait que le Dr Cawley menait de terribles expériences sur des gens. Ensuite, il s’avère que le protagoniste est en fait un patient de l’hôpital psychiatrique, Edward Laeddis, et tout ce qui se passe est juste une mise en scène des médecins pour l’aider à réaliser ce qui s’est passé et éviter la lobotomie. Le personnage de Leonardo DiCaprio semble se souvenir qu’il a tué sa femme, mais recommence ensuite à croire que tout cela est une conspiration. Nous réalisons alors que l’expérience a échoué, et qu’Edward devra subir une lobotomie.

Cependant, le regard et les paroles d’adieu du protagoniste nous font réaliser qu’il le fait de son plein gré. “Qu’est-ce qui est mieux : vivre en monstre ou mourir en homme bon ?”, demande Laeddis au médecin. À ce moment-là, Edward sait exactement ce qu’il fait. Nous comprenons que la thérapie a fonctionné, mais que Laeddis ne veut pas continuer à vivre avec l’idée qu’il n’a pas pu sauver sa femme et ses enfants de la mort. Ainsi, le héros prétend toujours penser être Teddy Daniels, et le médecin n’ose pas contredire le désir du patient.

Velvet Buzzsaw, 2019

Dans l’épilogue du film, un artiste nommé Vetril Dease tue trois personnages principaux en même temps. Morf est attaqué par le robot Hobomen, qu’il a vu pour la première fois dans la galerie de Miami “Art Basel”. Josephina se transforme mystérieusement en une partie de la peinture du bâtiment, quand les tableaux de toutes les peintures de la galerie d’art rampent sur sa peau. Seule Rhodora Haze ne peut être tuée avec une œuvre d’art : elle esquive miraculeusement la sculpture tombée dans le jardin de sa maison.

Bien que l’héroïne se soit débarrassée des tableaux de Dease, l’artiste mort souhaite toujours se venger de ceux qui ont essayé de profiter de son travail. Le tatouage d’une tronçonneuse autour du cou de Rhodora entre en action et la tue. Nous savons selon le sujet que “Velvet Buzzsaw” est le nom d’un groupe punk-rock dont l’héroïne faisait partie dans sa jeunesse. Depuis, elle est devenue une propriétaire ennuyeuse et matérialiste d’une galerie d’art. En fait, Rodora a été tuée par un symbole de l’époque où elle était encore une artiste.

Perfetti sconosciutti, 2016

Dans la comédie dramatique de Paolo Genovese, un groupe d’amis se réunit pour dîner, admirer l’éclipse de lune et s’amuser. Lorsqu’ils commencent à parler de téléphones, l’une des héroïnes propose de jouer à un jeu : les mobiles sont posés sur la table, si l’un d’eux reçoit un appel, il faut activer le haut-parleur, et tous les messages entrants sont lus à voix haute. Au cours d’un jeu innocent en apparence, les amis comprennent qu’ils ne savent absolument rien les uns des autres. C’est l’idée principale du film : tout comme la lune, nous avons tous une face cachée.

La fin du film a intrigué beaucoup de gens. Les héros quittent la maison, rient joyeusement et se tiennent la main, comme si de rien n’était. C’est ainsi que se serait terminée leur soirée s’ils avaient refusé de jouer. Pas de déceptions, de ressentiment, de gêne ou de drame. Tous les secrets seraient restés cachés dans le côté obscur de la lune. Le spectateur est invité à décider par lui-même de ce qui est mieux : la vérité amère ou la vie dans l’ignorance.

Ad Astra, 2019

En montant à bord du navire de recherche disparu, Roy a l’intention de mettre fin au malheureux projet “Lima” et de sauver son père. Lorsque ces derniers se réunissent enfin, McBride Junior se rend compte que son géniteur n’est pas du tout le héros qu’il avait imaginé. Clifford s’échappe dans l’abîme cosmique, réalisant que rien d’autre ne l’attend sur Terre. Le symbole de cette scène réside dans la rupture du cordon qui relie les combinaisons spatiales du père et du fils.

De retour chez lui, Roy trouve et accepte enfin sa place dans cet univers. Il est libéré de la solitude émotionnelle et physique, il n’est plus accablé par le désir de retrouver son père et est enfin prêt à se réconcilier avec son ex-femme. “Ad Astra” est un film sur la connaissance de soi et les métamorphoses importantes de l’âme humaine.

Et toi, avais-tu bien compris la fin de ces films ?
Quelles autres scènes finales restent encore un mystère pour toi ?
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